Un giro al Blog

Como una publicación especial hablaré de una cantante y actriz de mi ciudad, que falleció hace un par de años. Ella es:

Rita Guerrero, nacida el 22 de mayo de 1964 fue la menor de una familia de once hermanos. Su padre, trompetista, fue quién le enseñó nociones de guitarra y quien despertara en ella el gusto por las artes.

Continuó su instrucción en le taller infantil de música del departamento de Bellas Artes de la Universidad de Guadalajara y ahí comenzó su instrucción en piano. A la edad de 20 se muda sola a la Ciudad de México para ingresar al Centro Universitario de Teatro de la UNAM donde estudió actuación. Ahí conoció a Los Psicotrópicos, un grupo de jazz experimental con quienes participó en conciertos de apoyo a los huelguistas universitarios.

Su educación en la UNAM terminó en 1987, aunque el año anterior participó en una telenovela producida por Televisa compartiendo créditos con Cecilia Toussaint. A partir de 1987 trabajó como actriz independiente y asistente de dirección en algunas obras de teatro. En 1988 participó en la obra "Vox thanathos" de David Hevia, situación que marca el nacimiento de Santa Sabina, la banda con la que Rita saltó a la fama.

Fue conductora del programa "Águila o rock" donde presentaba a las bandas de rock mexicano más relevantes del momento y participó como conductora del programa de divulgación científica llamado "La materia de los sueños" que tenía por tema una canción de su banda: "Ajusco Nevado".

Formó parte del Ensamble Galileo, que era un proyecto dedicado a la interpretación de música barroca, apoyó movimientos sociales mexicanos y a la izquierda electoral de México.

Muere a causa de cáncer de mama.

Mr. "Five by Five", Jimmy Rushing

Nacido bajo el nombre de James Andrew Rushing, Jimmy fue un cantante estadounidesnse de Blues y Swing Jazz de la ciudad de Oklahoma, Oklahoma, famoso por cantar con Count Basie's Orchestra de 1935 a 1948. Nacido en una familia con talento y logros musicales. Su padre trompetista y su madre cantante, viajó desde el medio-oeste y California como un cantante itinerante de blues en 1923 y en 1924 se mudó a Los Ángles, California.

 
Su mentor Bennie Moten, lo apoyó durante su estadía en la Big Band.

Fue el tema de una canción compuesta por Harry James y otros, en 1942, donde lo describían físicamente.

Cuando la banda se disuelve en 1950 forma su propio grupo y participa en el álbum Jazz Party de Duke Ellington en 1959 y hacia 1960 graba con Dave Brubeck Quartet, famosos por su sonido de "cool jazz". Rushing aparece en televisión en 1957 en el especial "Sound of Jazz" cantando I left my baby que fuera una de sus canciones características. 

Después de enfermarse de leucemia en 1971, sus presentaciones terminaron. Muere el 8 de Junio de 1972 en New York y sepultado en el cementerio de Maple Grove, New York.

Jimmy fue un cantante de voz potente con un registro desde barítono hasta tenor. Podía proyectar su voz a tal grado de opacar los metales en una sesión de big band.  

A continuación les dejo la famosa canción "Going to Chicago" y la lista de su discografía.

• 1955: Jimmy Rushing Sings the Blues
• 1955: Listen to the Blues
• 1956: Cat Meets Chick
• 1957: The Jazz Odyssey of James Rushing Esq.
• 1958: Little Jimmy Rushing and the Big Brass
• 1958: If This Ain't the Blues
• 1960: Brubeck and Rushing - The Dave Brubeck Quartet featuring Jimmy Rushing
• 1960: Rushing Lullabies (with Ray Bryant, Sir Charles Thompson, Buddy Tate, Skeeter Best, Gene Ramey and Jo Jones)
• 1960: Jimmy Rushing and the Smith Girls
• 1963: Five Feet of Soul (with Al Cohn, Snooky Young and Zoot Sims)
• 1964: Two Shades of Blue
• 1967: Every Day I Have the Blues (with Clark Terry, Dickie Wells, Buddy Tate)
• 1967: Gee, Baby, Ain't I Good to You
• 1967: Who Was It Sang That Song? (with Buck Clayton, Sir Charles Thompson)
• 1967: Blues and Things with Earl Hines
• 1968: Livin' the Blues
• 1986: Sent for You Yesterday
• 1971: The You and Me That Used to Be
• 1971: Goin' to Chicago (with Lawrence Brown, Vic Dickenson, Walter Page, Freddie Green)

Louis Armstrong

Louis Armstrong, nacido en New Orleans, Louisiana el 4 de Agosto de 1901 es uno de los músicos y cantantes más emblemáticos del jazz, haciendose conocer por sus improvisaciones y conocido padre del scat.

Fue reconocido por su carisma y voz en el escenario, es una de las más grandes influencias para músicos y cantantes de jazz en nuestra era y música popular en general

En sus comienzos logró fama por su virtuisidad en la trompeta, grabada en los LP's Hot Five, Hot Seven y Red Onion Jazz Babies. Las improvisaciones de estas grabaciones de músicos de New Orleans fue una variación de las melodías.

Recompuso algunas canciones populares que tocaba haciéndolas más interesantes. Así es como obtuvo su lugar como un solista reconocido, agregando su alegría, melodías originales, creatividad de frases y ritmos.

Disfrutaba escuchando sus grabaciones y frecuentemete se le encontró tocando encima de ellas para mejorar pasajes. Tuvo lo último en equipo de audio al ser un melómano. Su adoración por la música hacía que viajara con toda su música a cualquier destino donde tuviera que presentarse.

En Agosto de 1947, el mánager de Louis, separa The Armstrong Big Band y forma el Billy Berg's Supper Club, integrado por ex-líderes de big bands como Jack Teagarden, Earl Hines y otros. A este grupo se le conoció mayormente por el nombre de Louis Armstrong an his All Stars. 

Apareció en más de treinta películas y se convirtió en el primer afro-americano en aparecer en la portada del Times Magazine. Todo esto ya a principios de 1949.

 En 1964, grabó su máximo hit de ventas llamado "Hello, Dolly". La canción se convirtió en #1 de las tablas de popularidad, desbancando a The Beatles que habían  ocupado el primer puesto por 14 semanas consecutivas con tres canciones diferentes.

Louis se mantuvo ocupado hasta unos años antes de su deceso en 1971, reduciendo la cantidad de eventos pero tocando hasta el día en que murió

Fue un embajador de los afro-americanos, tocó en África, Europa y Asia con gran éxito.

Galardonado por los premios Grammy, ahora dentro del Grammy Hall of Fame, Rock Hall of Fame y por el gobierno estadounidense por sus aportaciones culturales. No cabe duda qué ha inspirado y seguirá inspirando a músicos y cantantes a través del tiempo.

Sarah Vaughan

Sarah Louis Vaughan nació el 27 de Marzo de 1924 con una de las voces más extraordinarias del siglo XX (según palabras del crítico Scott Yanow). Se le apodó de distintas maneras, desde llamarle "Coqueta" y "Marinera", hasta "La Divina". 

Se dice que cuando tenía 18 años de edad entró a un concurso de amateurs en el Apollo Theater, donde acompañó en el piano a su hermano, quien ganó el segundo lugar del concurso y luego regresó para presentarse como cantante convirtiéndose en la ganadora. El premió fue una semana presentándose en el teatro, así que en la primavera de 1943 fue la telonera de Ella Fitzgerald. 
 

 

Sarah Vaughan - Send in the Clowns

En algún momento de su tiempo trabajando en el Apollo conoce al pianista Earl Hines, quien la convirtió en líder de su banda, The Earl HInes Big Band, en Abril de 1943. Cabe mencionar que esta banda es reconocida por su temprana incursión en el género bebop, teniendo a Dizzy Gillespie (trumpetista), Charlie Parker (saxofonista) y a Bennie Green (tombonista).

Se decía que la voz de Sarah era muy parecida a la de una cantante de ópera  frecuentemente se hicieron observaciones, por ejemplo la de Bob James (su director musical en 1960): "...el instrumento ahí estaba, pero el conocimiento de ese mundo no eran para ella... si las arias fueran parte del rango de Sara, pudo haber aportado algo que ningún cantante clásico entrenado hubiera podido".

Tuvo un registro de cuatro octavas con infinitas posibilidades pues, según la describen, tenía una voz muy bien entrenada, flexible y aunque de textura gruesa, ligera y agradable. Tuvo una variedad de texturas vocales, un control profesional sobre su voz y  un sentido de afinación cercano a perfecto que no había ningún intervalo difícil para ella.

Se casó tres veces y adoptó a una bebé, quien se convirtiera en la actris Paris Vaughan. La personalidad de Sarah era muy inestable, haciendo que fuese difícil de trabajar con ella, pero sus compañeros músicos consideraban el haber trabajado con ella una de su

las mejores experiencias de su carrera. A pesar de ser una persona insegura y sufrir pánico escénico, era una persona generosa. 

Sarah Vaughan -  Lullaby of Birdland

Billie Holliday

Cantante de jazz y compositora de canciones, ha sido una de las mayores influencias en el jazz y el pop. Su estilo vocal estuvo fuertemente influenciado por el jazz instrumental y fue una pionera en manipular el fraseo y el tiempo. Y según el crítico John Bush cambió la forma de cantar pop en E.U. 

Co-escribió canciones que se han vuelto estándares en el jazz como "God Bless the Child", "Don't explain", "Fine and Mellow" y "Lady Sings the Blues". Se volvió famosa por su interpretación de "Easy Living", "Good Morning Heartache" y "Strange Fruit", que fuera una canción de protesta y que se hizo famosa cuando la grabó en 1939.

Nació con el nombre de Eleanora Fagan el 7 de abril de 1915 en Philadelphia, Pennsylvania, con una infacia terrible donde pasó de la custodia de su madre, a la del estado en varias ocasiones y desde ser violada hasta convertirse en prostituta y caer en prisión antes de cumplir 14 años.

De 1929 a 1932 se unió con su vecino Kenneth Holland (saxofonista) para tocar en bares y cafés y a finales de 1932 obtuvo su lugar en "Covan's" reemplazando a Monette Moore  y gracias a que el productor John Hammond fue a escuchar a Moore, descubrió el talento de Billie y consiguió que hiciera su grabación debut en Noviembre de 1933 con Benny Goodman cantando "Your Mother's Son-In-Law" y "Riffin' the Scotch", ésta última que se convertiría en su primer gran éxito

Hacia 1936 empezó a lanzar canciones bajo su propio nombre "Billie Holiday and her Orchestra", en vez de "Benny Goodman and his Orchestra". Grabó el tema "Summertime" convirtiéndolo en el número 12 en las tablas de Billboard. 

Su voz era muy reconocida y sus improvisaciones hacían de compensación por su falta de educación musical, aunque no tenía un registro amplio, ni potencia, con un sonido ronco y la fragilidad que le dejó el uso de las drogas.

Muchas de las canciones que contribuyó a componer y que grabó, se convirtieron en grandes éxitos. Muchas de sus canciones llegaron a los R&B charts, Grammy Hall of Fame , etc.

Por último les dejo la canción que Ella Fitzgerald nombró como su favorita de Billie Holiday...

La Primera Dama de la Canción. 2.0

Aquí continuaré la biografía de esta increíble intérprete y estrella del Jazz.

En 1936 hace su primera grabación, "Love and Kisses" por Decca Records. Poco después cuando baja la popularidad del "swing" y aumenta la del "bebop" adoptando este estilo, utiliza su voz para imitar a una trompeta, así empieza a experimentar con el "scat" convirtiéndolo en un arte.

En 1938 grabó el "A-Tisket, A-Tasket" que vendió 1 millón de copias, alcanzó el primer lugar y se mantuvo en las listas de las más populares por 17 semanas seguidas.

El 18 de Junio de 1939 muere su amigo y mentor Chick Webb, convirtiéndose en la nueva líder de la banda que ahora tomaría el nombre de "Ella Fitzgerald and Her Famous Band".

Hacia el año 1946 mientras estaba de gira con la banda de Dizzy Gilliespie, se enamora del bajista Ray Brown, con quien se casó y adoptó a su hijo Ray Jr. Su esposo trabajaba para Norman Granz quien viendo potencial en Ella, la convenció de firmar y unirse a la gira de "Jazz at the Philharmonic" trabajando con Louis Armstrong en varios discos y después trabajando en su serie de "songbooks" de 1956 a 1964 donde hizo covers de canciones de Cole Porter, Duke Ellington, Irving Berlin y más. 

Durante sus giras, también tuvo que pelear por no ser discriminada, su agente Norman siempre protegió los derechos civiles de sus artistas a donde quiera que fueran. Ella incluso recibió apoyo y protección de seguidores famosos, por ejemplo: Marilyn Monroe.

Marilyn Monroe la ayudó, en lo que ella pudo considerar, el despegue espectacular de su carrera. Marilyn se encargó de que Ella cantara en el club "Mocambo" diciendo al gerente que quería que la contratara y que cada noche que cantase, ella estaría sentada en una mesa de la primera fila. Siendo un imán para los medios y la prensa fue una oportunidad que el club no desperdició y que fue, al mismo tiempo, también benefició a Ella.

Siguió trabajando sin descanso a pesar de sus malestares de salud. En 1974 pasó dos increíbles semanas cantando junto a Frank Sinatra y Count Basie en New York. 

Obtuvo gran cantidad de medallas, reconocimientos y títulos académicos por su aportación al arte.

Para el final de sus días, a pesar de las dificultades siguió demostrando que su vida era la música, se presentó por última vez en 1991 en el Carnegie Hall en New York.

Falleció el 15 de Junio de 1996 en su residencia de Beverly Hills y unas horas después se podía ver por todo el mundo muestras de cariño hacia ella.

Aquí les dejo la interpretación de "Mack the Knife" de Ella de su albúm Ella in Berlin donde olvida la letra y de una manera extraordinaria improvisa haciendo de ésta una de sus presentaciones más recordadas.

Y el link de su página oficial. Resumí y deje cosas sin publicar, pero les dejo la versión original.

http://www.ellafitzgerald.com/

Y una serie de videos de Ella para que disfruten un buen día

http://www.youtube.com/watch?v=6pdyiK5kziw&feature=share&list=PL521800BF96306EB0

La Primera Dama de la Canción

Una de las más reconocidas cantantes de Jazz, sino es que la más, y fuente de inspiración de las generaciones venideras, este espacio le pertenecerá a ella. Ella (Jane) Fitzgerald. 

Nacida el 25 de abril de 1917 en Newport News, Virginia, vivió ahí por un corto periodo ya que poco después de su nacimiento sus padres se separaran y se mudara con su madre a Yonkers, New York donde vivieron con Joseph Da Silva (novio de su madre). 

La pequeña Ella hizo amigos con facilidad, jugando generalmente con los chicos al baseball, aunque también disfrutaba bailando y cantando con ellos. Fue con sus amigos con los que escaparía a Harlem a ver los espectáculos que se presentaban en el Apollo Theater.

En 1932 muere su madre y poco después su padrastro, por lo que termina al cuidado de su tía. Incapaz de adaptarse a su situación, comienza a bajar su desempeño escolar al grado en que asistía en periodos intermitentes. Tiempo después al tener problemas con la policía, fue enviada a un reformatorio donde su situación empeora pues era golpeada por sus cuidadores.

La joven Ella escapa a la edad de 15 años, teniendo que afrontar la Gran Depresión sola y sin un centavo. Años adelante ella recordará esta época y se referirá a ella como el momento en que tuvo que madurar y por el cual se sentía incluso más agradecida por su éxito, pues sabía lo que era venir de la nada.

Hacia 1943 ya tenía un trabajo semanal en el Apollo, donde logró entrar a la Competencia de Amateurs. Aunque originalmente planeara su acto como baile y canto, recibida por una multitud no muy amigable, decide solamente cantar pidiendo a la banda que tocaran "Jude" de Connee Boswell con la que los deslumbra y por petición de la audiencia canta a continuación "The Object of my Affections". 

Es en este momento que descubre que su lugar en este mundo está sobre un escenario.

 

En la banda que acompañó esa noche a Ella estaba el saxofonista y arreglista Benny Carter, quien impresionado por el talento de Ella comienza a presentarla a personas que lanzarían su carrera, convirtiéndose en amigos de por vida.

Impulsada por el apoyo que recibía entraba y ganaba cada concurso en el que participaba. Finalmente en Enero de 1935 obtiene la oportunidad de actuar por una semana con The Tiny Bradshaw Band en la Harlem Opera House donde conoce al baterista Chick Webb que acababa de contratar a Charlie Linton como cantante de tu banda. Pero impresionado por su voz le da una oportunidad de tocar con ellos en un baile en la Universidad de Yale, diciendo: "Si le gusta a los chicos, se queda".

Después de la presentación que fue un éxito, Chick la contrata para viajar con ellos pagándole $12.50 USD a la semana.

Aquí es donde comienza la carrera de la joven Ella Fitzgerald.

Seguiré con esta publicación más adelante ya que no tengo más tiempo por el momento y no le haría justicia a esta eminencia de la música moderna. Pero aquí les dejo una de mis canciones favoritas interpretada por ella: Summertime.

https://www.youtube.com/watch?v=6pdyiK5kziw

"Cuando dejo de cantar con mi voz, canto tocando mi guitarra"

Siento la necesidad de explicar el nombre del título y poner a su consideración la frase de donde tomé el nombre de esta publicación que cita así:

"When I sing, I play in my mind; the minute I stop singing orally, I start to sing by playing Lucille"

No me sentí del todo convencida para escribir en el título "tocar a Lucille" o utilizar las traducciones de Go0gle que luego pueden sonar peor, además que, no había suficiente contexto.

Nombrado el Rey del Blues, ha sido fuente de inspiración de muchos de los guitarristas, de diferentes géneros musicales, más destacados de estás últimas dos décadas como Carlos Santana, Eric Clapton y hasta .

Nacido en Berclair, Mississippi en 1925, y criado por su abuela Elnora Farr en Kilmichael desde los cuatro años, creció cantando "Gospel" y consiguió su primer guitarra a los doce. 

En 1943 se une al grupo "St. John's Quartet of Inverness" con el que comenzaría su vida en el mundo de la música. Finalmente cinco años después llega la oportunidad que le abre la puerta a lo que sería el inicio de su estilo como músico. En 1948 se muda a West Memphis, Arkansas y participa en el programa de radio Sonny Boy Williamson's por lo que comenzó a adquirir fama hasta trabajar de cantante y "disc jockey" de la estación WDIA donde le apodaron Beal Street Blues Boy, que se redujo a Blues Boy y finalmente: B. B. 

Después de eso simplemente no dejó de tocar y cantar. Creó la banda llamada BB King Review con los que comenzó una gira de aproximadamente 300 conciertos al año por Washington, D.C., Chicago, Los Angeles, Detroit, St. Louis y gran parte del sur de EE.UU.

BB. King ha sido uno de los músicos más activos en la historia del Blues llegando a realizar 346 conciertos y tres sesiones de grabación en un solo año. No cabe duda que su pasión por la música y la energía que transmite y recibe en cada una de sus presentaciones se refleja en el intenso trabajo que realiza.

Siendo una eminencia en la música, galardonado en varias ocasiones y reconocido por sus diferentes logros dentro de la industria musical durante sus 64 años de carrera es un gran astro en la historia del Blues y la música popular moderna.

Aquí les dejo "Rock me baby" de BB King junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

St. Louis Blues

En la última publicación hablé acerca de la "Emperatriz del Blues" y ahora pondré una de las canciones más icónicas de ella: "St. Louis Blues".

Hablé muy poco o nada acerca de la vida personal de esta gran mujer, parte por dar mayor enfoque a su carrera como cantante, parte para tener material para esta publicación.

Su vida amorosa fue peculiar ya que se acostumbro a relaciones en que conocía a hombres que se aprovechaban de ella, los mantenía, la engañaban y la abandonaban. Esto fue un patrón que repitió a lo largo de su vida y se vió reflejado en sus canciones.

A continuación les dejo el video de "St. Louis Blues" que habla exactamente de esto y se convirtiera en la canción más representativa de Bessie y una de sus mejores interpretaciones.

Bessie Smith, la Emperatriz del Blues

Ésta prominente cantante del Blues nació en Chattanooga, Tennessee el 15 de Abril de 1894, considerada junto con Louis Armstrong como la figura musical más influyente de los años 20's y 30's.

Ella, de nueve años, y sus demás hermanos quedan huérfanos de padre y madre por lo que su hermana mayor Viola se hace cargo de la familia. Para colaborar en la casa comienza, junto con su hermano Andrew, a actuar en la calle bailando y cantando.

En 1904 su hermano Clarence escapa para unirse a un grupo de músicos ambulantes, regresando ocho años después para que sus managers audicionaran a su hermana Bessie, quien fue contratada como bailarina en vez de cantante.Así también formó parte de la TOBA con los que recorrió el Sur de los Estados Unidos y por la cual conociera a Ma Rainey.

Comenzó a presentarse formalmente hasta 1913 en el Teatro 81 de Atlanta y firmó contrato con Columbia Recordos en 1923 siendo su primera sesión de grabación el 15 de Febrero de ese mismo año. Sus primeras grabaciones, "Gulf Coast Blues" y "Downhearted Blues", fueron un gran éxito para la compañía, convirtiéndose igualmente en la atracción principal de TOBA durante los años 20's.

Haciendo gira ya sea con la compañía o por su cuenta, Smith se convirtió en la cantante negra mejor pagada de su época, ganándose el título de la "Emperatriz del Blues".

Grabó aproximadamente 160 canciones con Columbia Records acompañada de los mejores de su época como Coleman Hawkins, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, James P. Johnson, Joe Smith y Charlie Green.

Por la depresión económica sufrida en los años 20's en EE.UU. dejó los estudios de grabación y se dedicó a presentarse en diferentes teatros llagando a actuar en Broadway en la obra titulada "Pansy" en la que la crítica le llamó "el único atractivo" de la misma.

Incluso actuó en una película en la que también cantó el tema principal con el nombre de la misma: "St. Louis Blues" acompañada de la Fletcher Henderson's Orchestra, el coro Hall Johnson, el pianista James P. Johnson y una sección de cuerdas.

Su música es fuente de inspiración, su vida un drama y su muerte estuvo llena de especulaciones. 

Sin importar todo, no se puede negar que Bessie es la inspiración de grandes cantantes y un ícono en la industria musical.

La madre del Blues: Ma Rainey

Nacida el 26 de Abril de 1886 bajo el nombre de Gertrude Pridgett, fue parte de la primera generación de cantantes profesionales de Blues en grabar un disco bajo contrato.

Gertrude nació, según algunas fuentes, en Columbus estado de Georgia dentro de una familia de trovadores que se dedicaban a hacer espectáculos. Bajo esta influencia, comienza su experiencia en el escenario alrededor de los 12 años de edad, cantando y bailando. 

Al casarse con William "Pa" Rainey en 1904 cambia su nombre a Ma Rainey formando con él un espectáculo de baile y canto llamado "Rainey & Rainey: The Assassinators of the Blues" que fue un espectáculo itinerante que hizo giras sobretodo por el Sur de Estados Unidos en los espectáculos "Rabbit Foot Minstrel"  y "Tolliver's Circus Ma Rainey", donde mas tarde conociera a Bessie Smith. 

Perteneció al TOBA (Theater Owners Booking Association) que se encargara de la organización de eventos de artistas de color en esa época. Por la forma en que se les trataba a los músicos y cantantes asociados y las condiciones en que se les colocaba se llegó a decir que TOBA significaba "Tough On Black Asses" que significa "Duro Con los Cul** Negros".

Aunque se ha exagerado la influencia de Ma Rainey en el estilo de Bessie Smith, no se puede negar en las primeras grabaciones de Bessie que le fue de ayuda para desarrollar su estilo. Cantaron juntas por un corto periodo pero no cabe duda que son figuras muy importantes dentro de la historia del Blues Clásico.

Ya en el año de 1923 Ma Rainey firma contrato con Paramount Records, grabando más de 100 canciones en el periodo de su contrato (1923-1928) con los mejores músicos de la época como: "Georgia Jazz Band", Louis Armstrong, Tommy Ladnier, Joe Smith,Coleman Hawkins, Lovie Austin, Blind Blake y Papa Charlie Jackson.

Sus grabaciones "Bo-weavil Blues" (1923) y "Moonshine Blues" (1923) la llevaron a la fama fuera del Sur de Estados Unidos.

Muere en el año de 1939 de un padecimiento del corazón.

Ma Rainey fue reconocida por su enérgica voz, fraseo y habilidades vocales, así como por su estilo de "gemido" de cantar. Aunque su estilo potente no fuese captado por la forma anticuada de grabar de la Paramount (se rehusaban a utilizar procedimientos eléctricos), su canto sigue transmitiendo la pesadez, la opresión y la inconformidad que el Blues representa.

Aquí les dejo una liga para que escuche algunas grabaciones de esta auténtica reina del Blues:
http://grooveshark.com/#!/profile/Ma+Rainey/22196701

De "Work Songs" y "Prison Songs"

La historia del Blues se remonta a la llegada de los esclavos negros a las colonias inglesas, donde se mezclan sus raíces de ritmos africanos, con la música predominante de la época que escuchaban sus patrones y las condiciones de vida a las que fueron relegados.

Como el término "blue" en el idioma inglés hace referencia a la tristeza, infelicidad e inconformidad, el género en la música surge de los cantos a capella de los mismos esclavos sobre sus labores de trabajo en los campos y fábricas, la opresión que recibían de los patrones blancos y los anhelos de libertad de los mismos; a estos cantos se les conoce como "Work songs".

Existen diferentes categorías para subdividir las "Work songs", por ejemplo: Canciones agrícolas, de caza, de pastoreo, de prisión, de marineros, de mineros, industriales, entre otras. Todas ellas ayudaban a mantener el ritmo y el espíritu durante la jornada. En general las canciones eran improvisadas y de género narrativo en que se describían las tareas que realizaban, historias sobre su lugar de origen, y solían ser cantadas las estrofas de la misma (nunca cantadas igual) por un solista mientras que los coros eran cantados al unísono, a éste formato se le llamo "pregunta y respuesta". 

Paralelamente a las "Work songs" se hacían canciones religiosas, las cuales eran más aceptables a la vista de los blancos pues, hablaban de la salvación en el "más allá". Estas canciones que se hacían en las iglesias a las que asistían los esclavos y al estilo con que eran interpretadas mas adelante se les conocería como canciones "Gospel", término que proviene de la expresión en ingles "God spell" (Dios habla).

Volviendo al tema original, las canciones de trabajo comenzaron a ganar popularidad dentro de la cultura de la época (finales del siglo XIX y principios del XX) cuando es abolida la esclavitud en Estados Unidos. Tanta es su fama que llegan a grabarse y publicarse canciones de trabajo en 1867 bajo el nombre de "La primera colección de 'canciones de esclavos' Afro-Americanas" por William Francis Allen, Charles Pickard Ware y Lucy McKim Garrison.

Ésta es una liga de canciones de prisión que fueron documentadas desde la Prisión Estatal de Mississippi de 1947:
http://archive.org/details/negroprisonsongs"

Pero no fue hasta 1920 por la Okeh Records Company que se grabó de forma oficial a una cantante negra : Mamie Smith acompañada por una banda de jazz. 

Y a partir de este momento en adelante los cantantes de color no dejarían de pisar los estudios de grabación para entregar interpretaciones.